Andrés Duque y Samuel Martín debutan con una película de cine negro en la que un delincuente de poca monta consigue convertirse en el ayudante de un importante narcotraficante gallego.
Todo comienza cuando Sebas sale de la cárcel. Tras atacar y robar a su tía, su tío lo mete en un autobús con dirección a Galicia. Allí, Sebas conoce al señor Regueira, un gran hombre de negocios con una vida como la que él sueña. A través de uno de los trabajadores de la empresa de Regueira descubre que todo ese dinero no proviene sólo del marisco, sino que dicho negocio es sólo una tapadera para traficar con cocaína. Con algo de astucia y muchas agallas, Sebas consigue convertirse en uno de los hombre de confianza de Regueira. A pesar de los lujos, esa nueva situación no es tan buena como imaginaba, el miedo no te deja ni un minuto de tranquilidad y no sabes en quién puedes confiar.
“Agallas” destaca principalmente por un guión que te mantiene intrigado en todo momento. Te metes en la historia de tal forma que tú mismo te sientes en ese estado de alerta permanente en el que se encuentran los personajes, atento a cada movimiento, a cada gesto, intentando descubrir en quien puedes confiar, para terminar sorprendiéndote.
Carmelo Gómez da vida al elegante y refinado señor Regueira. Su interpretación resulta relajada pero firme, reflejando con ella el carácter de su personaje. Hugo Silva, por su parte, nos muestra lo contrario, su lado más inquieto y nervioso. Ambos realizan una actuación igualmente convincente. No obstante, es digno de destacar el trabajo de Hugo, que en esta ocasión deja un lado ese rol de ídolo de adolescentes y nos sorprende con sus gestos y su expresión plasmando al dedillo la personalidad de un pobre delincuente ansioso por llegar a lo más alto, receloso de todo cuanto se mueve a su alrededor, pero no lo suficientemente perspicaz como para salir victorioso.
Por último, mencionar los maravillosos paisajes, otro de los puntos fuertes de la película. Los acantilados gallegos consiguen otorgarle más emoción a la historia.
Con esta cinta los debutantes directores realizan un trabajo más que aceptable, que supera las expectativas y que les abre las puertas a nuevos proyectos.
POR LAURA SOLANO ROS, CORRESPONSAL EN ESPAÑA
Trailer "Agallas"
Agallas
PAGAFANTAS
Borja Cobeaga presenta su primer largometraje, “Pagafantas”, una comedia juvenil que trata los problemas sexuales de los vascos.
Chema es un joven que acaba de dejarlo con su novia para poder salir todos los días y ligar con otras chicas. Ha convencido a su amigo Rubén para que le acompañe en su aventura. Sin embargo, Rubén no está muy convencido con este nuevo modo de vida y decide volver con su novia de siempre. Es en ese momento cuando Chema conoce a Claudia, una simpática y guapa argentina que le vuelve loco desde el primer día.
Chema intenta quedar con ella a todas horas, miente sobre sus gusto musicales, le permite que ensaye con su pelo sus pruebas de peluquería y una infinidad más de sacrificios para conseguir que ella se fije en él. Sin embargo, Claudia lo ve como un amigo, y nada más que eso, por lo que él sólo puede aspirar a ser un “Pagafantas”.
“Pagafantas” está narrada desde un punto de vista realista, mostrando diferentes situaciones en las que todos nos hemos podido ver envueltos. Es por ello, que rápidamente podemos reconocernos en los personajes y meternos de lleno en la historia.
Imagen pagafantas2 de laurika Un acierto simpático y original de la película es la asimilación de los comportamientos del “pagafantas” con la de diversos animales. Cuando va a producirse dicha situación, la historia se interrumpe y aparece una especie de documental sobre el animal en cuestión y, posteriormente, una escena con un chico y una chica que representan la escena a modo de ejemplo. Después, regresamos a la historia y vemos la situación reproducida de forma semejante.
Quizás, en algunos puntos, la película resulta algo repetitiva en sus bromas. Sobre todo, en las típicas guasas de los argentinos sobre la forma de hablar de los españoles. Claudia utiliza de modo cómico, en demasiadas ocasiones, las típicas palabras españolas: “Vale”, “Joder”, “Tío”, “Ostia”.
A parte de este pequeño problema de repetición y algún otro chiste sin gracia, la impresión general que te queda tras el visionado es la de haber pasado un buen rato riendo y recordando escenas que uno mismo ha vivido. Imagen pagafantas_1 de laurika A esto contribuye el cierre de la película ya que, como bien apuntó Cobeaga en la rueda de prensa, el final elegido es el único posible, el único que podía resultar coherente y por ello deja al espectador satisfecho y con una sonrisa de oreja a oreja.
En cuanto al reparto, Gorka Ochoa reproduce al “pagafantas” por excelencia. Sus caras y sus gestos son los ingredientes perfectos para hacernos sonreír. También es muy divertida la interpretación de Óscar Ladoire, otro “pagafantas” de libro. Por último, son dignas de mencionar las intervenciones de María Asquerino y Ernesto Sevilla, que con sus escasas frases, consiguen sacarnos unas buenas carcajadas.
POR LAURA SOLANO ROS, CORRESPONSAL EN ESPAÑA
TRAILER "PAGAFANTAS"
RUDO Y CURSI
La vida es puro juego. Esa es la frase promocional y la idea básica sobre la que gira Rudo y Cursi, debut en la dirección de largometrajes del mexicano Carlos Cuarón, guionista de prestigio y coautor del guión de la premiada Y tu mamá también, dirigida por su hermano Alfonso.
Rudo y Cursi son los motes por los que todo el mundo conoce a dos hermanos, con caracteres y formas de ver la vida completamente opuestos, que malviven en un pequeño pueblo mexicano en el que consiguen ganarse la vida trabajando en una plantación platanera, mientras sueñan con regalar a su madre una casa junto al mar y ofrecerle una vida mejor. Su suerte comienza a cambiar cuando se cruza en su camino Batuta, un cazatalentos de medio pelo con encanto que les convencerá para trasladarse a México D.F. e intentar triunfar en el mundo del fútbol profesional.
Rudo y Cursi, que se ha convertido en la tercera película mexicana más taquillera de la historia de su país, es la primera producción de Cha Cha Chá, productora formada en 2007 por Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, y Alejandro González Iñárritu y que tiene en proyecto cuatro películas más. Cuarón reúne de nuevo en una pantalla de cine a Gael García Bernal y Diego Luna, pareja de actores que, como ya dejaron claro en Y tu mamá también, vuelven a demostrar a la perfección su mutuo entendimiento y los buenos resultados que proporciona a la película su trabajo conjunto.
A pesar de tener al fútbol y su entorno como eje principal de la historia, Rudo y Cursi no es una “película deportiva” sobre el deporte rey, sino una historia sobre sueños frustrados y rivalidades. Cuarón se sirve del fútbol como metáfora de la propia vida, un simple juego en donde el azar y la suerte son los verdaderos protagonistas y en donde unos tienen que perder para que otros ganen. El fútbol y la vida se entrelazan y se relacionan continuamente, “el cariño por la madre y el cariño por el equipo es el mismo. Nuestra vieja es nuestra primera identidad. Luchamos por su amor como luchamos por la vida. Cualquier aficionado quiere demostrar que nadie quiere al equipo como él y cualquier hijo sabe que nadie quiere a su madre como él”, en una historia sobre los conflictos familiares, la relación de amor/odio y rivalidad entre dos hermanos por el amor de una madre.
Rudo y Cursi es un drama con numerosos toques de humor que provocan que el espectador también se lo pase bien viendo una historia sobre la mafia y los verdaderos intereses que mueven al fútbol, el talento, los sueños y la pasión necesaria para llegar a cumplirlos, así como el precio que, después, hay que pagar por ello. Además, su tono en determinados pasajes se encuentra cercano al surrealismo, “el bautizo” musical de García Bernal, por ejemplo, que no tiene precio. Una buena recomendación para ver en las salas de cine.
Por Rosa Cabrera Diez, corresponsal en España.
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RUDO Y CURSI
Meirelles presenta " A ciegas"
La semana pasada estuvo en Madrid el director brasileño Fernando Meirelles, autor de Ciudad de Dios o El jardinero fiel, para presentar su última película, A ciegas, adaptación de la famosa novela de José Saramago, Ensayo sobre la ceguera. Acompañado por el escritor, Premio Nobel de Literatura 1998, el director ofreció una rueda de prensa en el que entre otras cosas, habló del respeto y presión que sintió ante el reto de trasladar a la gran pantalla una obra de tanto valor e importancia.
Meirelles, con estudios de Arquitectura y que trabajó durante sus primeros años en publicidad, reveló algunos de los secretos acerca de su metodología de trabajo. El brasileño acostumbra a trabajar con tres cámaras a la vez, cubriendo los diferentes puntos de vista de cada escena y sin necesidad de realizar cortes, facilitando así la tarea del actor, que dispone de mayor libertad de movimientos y puede meterme más profundamente en el papel. De esta manera, la película se decide en la sala de montaje, en donde es posible escoger entre las diversas posibilidades y en donde no existe ya la presión y las prisas propias de un rodaje cinematográfico.
En cuanto al trabajo con los actores, el director de Ciudad de Dios confesó disfrutar con el proceso de creación junto a sus intérpretes, a pesar de no ser demasiado partidario de los ensayos, especialmente en las escenas más emocionales, pues, en su opinión, el actor pierde frescura y espontaneidad en la composición de su personaje. Saramago decidió escribir Ensayo sobre la ceguera sin otorgar un nombre propio a ninguno de los personajes, confiando en que la mera descripción de sus características y sus acciones bastaría para distinguir a unos de otros, enfatizando así además el carácter anónimo y a la vez universal de todos ellos.
La esposa del médico, interpretado por Julianne Moore, es el único personaje en la historia que, sin motivo aparente ni explicación alguna, conserva la capacidad de ver, no pierde la vista. Intentando proteger a su marido, finge su propia ceguera para permanecer a su lado y cuidar de él. La mujer del médico simboliza la responsabilidad, la obligación moral de utilizar el poder de modo coherente. Alguien a quién, en un principio, tan sólo le importa el bienestar de su marido pero que pronto comprende que debe velar por todos los que están a su alrededor, que una persona tiene también responsabilidades para con los demás, hacia el mundo en el que vivimos y hacia lo que hacemos en él. El personaje interpretado por Moore no es una heroína, es una persona normal y corriente, con sus imperfecciones y sus miedos, cuya capacidad de ver le va aislando poco a poco, pero también es lo que finalmente provoca que se convierta en una líder, llevándole a situaciones en las que descubrirá su lado más oscuro pero también una fortaleza desconocida para ella hasta el momento.
Al principio de la historia, el médico (Mark Ruffalo), debido a su profesión y a su costumbre de llevar siempre la voz cantante, se convierte en el líder de los afectados por la epidemia, sintiéndose de alguna manera responsable del resto y demostrando una gran fortaleza física. Poco a poco, sin embargo, las circunstancias van cambiando y la desesperación y la impotencia provocan que comience a derrumbarse, haciéndole comprender que ni él ni su mujer son como pensaba que eran.
La brasileña Alice Braga da vida a la chica de las gafas oscuras, una joven reservada, aparentemente fría, con un carácter algo brusco y de la que el espectador apenas conoce datos. Vive su vida con libertad y suele acostarse con los hombres por placer o por dinero. Como para muchos otros, la ceguera acaba convirtiéndose finalmente en su salvación. El contacto con el personaje más indefenso de la historia, el niño que ha perdido a su madre en medio del caos de la epidemia, provoca que el personaje de Braga se vuelve poco a poco más humana, más amable, aprendiendo a ver más en el interior de las personas. Para Fernando Meirelles, “debido a su ceguera, la chica de las gafas oscuras aprende a ver.”
El hombre de la venda negra, al que da vida Danny Glover y que Meirelles considera el alter ego de Saramago, es un anciano con problemas de visión que tan sólo puede ver por un ojo al tener cataratas en el otro. Esta situación, que le da ventaja sobre “los nuevos ciegos” al conocer mejor ese mundo, le permite también estar más atento a su mundo interior, reflexionar y comprender mejor el caos en el que se ha sumado el país.
El personaje interpretado por Gael García Bernal es el que más variaciones presenta respecto a la novela original. Meirelles y su guionista, Don McKellar, decidieron rejuvenecer al personaje y darle el papel a un actor con un rostro, a priori, simpático para el espectador, reduciendo el nivel de maldad del personaje, presentándolo simplemente como un oportunista, un superviviente, un niño grande con una pistola como juguete. Alguien con un poder que no debería poseer, una persona pragmática que poco a poco se va corrompiendo y que no duda en abusar de ese poder y pasar por encima del resto para conseguir sobrevivir.
Por Rosa Cabrera Diez, corresponsal en España.
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A ciegas
Un día como cualquier otro, un hombre pierde la vista. Repentinamente, sin explicación, se sume en una “luminosidad total”, en una ceguera blanca similar a “una niebla espesa, a estar sumergido en un mar de leche”. Tras el primer caso, la epidemia de ceguera comienza a extenderse por toda la ciudad, para ir propagándose, finalmente, por todo el país. Los ciegos son encerrados en un antiguo manicomio, aislados, fuera de todo contacto humano, abandonados a su suerte, sin ayuda ni apenas alimento. A medida que se acostumbran a su nueva condición, los ciegos deben aprender a organizarse y convivir entre ellos, iniciándose una lucha por la supervivencia de la que no todo el mundo saldrá bien parado.
El Premio Nobel de Literatura José Saramago publicó una de sus mejores y más famosas novelas, Ensayo sobre la ceguera, en 1995 y desde entonces han sido muchos los intentos de llevar a la gran pantalla esta original historia sobre la necesidad de aprender a mirarnos, a nosotros mismos y a los demás. A pesar de los continuos rechazos del escritor portugués, “no era cuestión de soberbia, simplemente no tenía la certeza, ni siquiera la esperanza de que el libro fuese tratado con respeto por aquellos parajes, a Hollywood me refiero, que es de donde vienen las ofertas más suculentas”, éste se dejó finalmente convencer por el proyecto que terminaría dirigido Fernando Meirelles, autor de las reconocidas Ciudad de Dios y El jardinero fiel, quién ya había intentado comprar los derechos de la obra 12 años atrás.
En estos tiempos, en los que la falta de imaginación y la escasez de ideas son cada día más evidentes, el curioso y particular universo de José Saramago se convierte en todo un caramelo para el cine, un estupendo material, mezcla de ciencia ficción, reflexiones filosóficas y realismo mágico, temáticamente interesante pero formalmente muy denso, que Meirelles ha logrado sintetizar hábilmente, traduciendo a lenguaje cinematográfico la prosa analítica del escritor portugués hasta conseguir que el origen literario de A ciegas se convierta en un beneficio y no en un lastre para la película.
A pesar de tratarse de una historia sobre la pérdida de la visión, la película obliga al espectador a abrir bien los ojos y reflexionar sobre infinidad de preguntas que, en la mayoría de los casos, no tienen una respuesta clara. La representación de la ceguera, que es mostrada de una manera casi mágica, evitando así dar un argumento científico a su existencia, requería de un tratamiento de las imágenes muy concreto, la mano de un creador capaz de representar visualmente algo tan poco tangible como la pérdida de la visión. Fernando Meirelles, respetado director brasileño que deslumbró al mundo entero con la particular estética de Ciudad de Dios, quiso crear una película “opresivamente luminosa”, que consiguiese apelar a los sentidos del espectador, privilegiando no sólo la vista (imágenes desenfocadas, continuos fundidos en blanco…) sino también el oído, destacando su banda sonora y la utilización de sonidos e instrumentos poco comunes para trasladar al espectador a un lugar tan desconocido para la mayoría de nosotros como es la no percepción de los objetos.
Con un reparto internacional, lo suficientemente variado como para simbolizar una especie de microcosmos de la sociedad actual en el que todos estén representados y que incluye a actores estadounidenses, canadienses, mexicanos, brasileños o japoneses entre otros, A ciegas está protagonizada por Julianne Moore, Mark Ruffalo, Danny Glover, Alice Braga y Gael García Bernal. Filmada en Sao Paolo, Toronto y Montevideo, la película inauguró el Festival Internacional de Cine de Cannes 2008 y participó en la Sección Oficial del Festival Internacional de Sitges 2008, con críticas muy dispares dependiendo de su procedencia a uno u otro lado del Atlántico, siendo mucho más favorables en Europa que en Estados Unidos.
A ciegas, discutible traducción del original Blindness, es, en palabras de su propio director, “una alegoría sobre la fragilidad de la civilización”, una historia original e inquietante sobre la incapacidad de los seres humanos para vivir juntos y conocernos unos a otros, mirarnos y ser capaz de vernos de verdad. Esta historia, con infinidad de posibles lecturas, políticas, sociales, religiosas, etc. todas ellas válidas, ha sido tachada en numerosas ocasiones de ser demasiado dura y pesimista, al poner de manifiesto la salvaje lucha por la supervivencia en la que los más básicos y bajos instintos del ser humano salen a relucir, llevándole a los extremos más miserables y en la que los estamentos de poder que nosotros mismos creamos parecen dividirnos siempre en explotados y explotadores, en víctimas y supervivientes.
A ciegas, más realista que pesimista, no se olvida de mostrar también el otro lado del ser humano, de indicarnos que allí donde alguien intenta aprovecharse de la situación, hay también otro dispuesto a ayudar, que cada persona responde ante una misma situación de manera diferente, conforme a su forma de ser y sus circunstancias vitales. La lucha por la supervivencia se convierte así en una parábola de la sociedad actual, una historia sobre personas que no están ciegas, sino que son ciegas, “creo que no nos quedamos ciegos, creo que estamos ciegos, ciegos que ven, ciegos que, viendo, no ven” y en la que la ceguera no es sólo la pérdida de la visión, sino también de la racionalidad, de aquello que nos hace humanos, una especie de castigo que requiere un aprendizaje por parte de todos nosotros “si alguna vez vuelvo a ver, miraré verdaderamente a los ojos de los demás, como si estuviera viéndoles el alma”. Una oportunidad de volver a empezar para aquellos que han conseguido sobrevivir al infierno que nosotros mismos hemos creado. Una historia, al fin y al cabo, de esperanza y redención. Porque lo único que puede salvarnos somos nosotros mismos.
Por Rosa Cabrera Diez, corresponsal en España.
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"Siete Almas"
La nueva colaboración entre Gabriele Muccino y Will Smith después de “En busca de la felicidad” goza de un buen potencial dramático. No obstante, el film peca de grandes dosis de grandilocuencia y manipulación emocional., consiguiendo así que el espectador se sienta un tanto perdido, sobretodo durante la primera hora.
La trama gira entorno a Ben Thomas ( Will Smith ) un trabajador del departamento del Tesoro en USA que se implica en las personas que investiga mucho más allá del terreno estrictamente económico. Su ayuda se centrará en siete personas, una de las cuales es Emily Posa ( Rosario Dawson ), una mujer que necesita un trasplante de corazón y debe mucho dinero por las numerosas facturas médicas que acumula.
El dúo actoral funciona con mucha química en la pantalla, siendo Rosario Dawson la más convincente. Hablamos de una actriz que cambia el registro de mujer agresiva y fuerte que pudimos apreciar en “Sin City” y “Death Proof” para interpretar a la perfección a una mujer frágil, sensible y enamorada. El que fuera Príncipe de Bel-Air tiene el afán de parecer buena persona en todo momento, y no llega a transmitir al máximo las emociones que Muccino nos pone enicma de la mesa. El progreso cinematográfico de Smith es espectacular y su esfuerzo es innegable pero considero que cuando tiene que llevar el peso de una historia dramática impactante pierde enteros.
Mención especial para la breve pero, aún así, notable presencia de Woody Harrelson, en la piel de un personaje muy diferente al que nos tiene acostumbrados.
“Siete Almas” es una de esas películas que te hacen reflexionar sobre el perdón, la redención, la bondad, la generosidad…De cómo ser mejor persona día tras día, casi como un libro de auto-ayuda. Cierto es que es muy difícil que suceda en la vida real la dosis de humanidad que vemos en el film, aunque no imposible. El desenlace del film ( todo un encaje de piezas ) es buena muestra de ello.
Recomendada sobre todo para aquellos que quieran disfrutar de una historia conmovedora.
Por Aureli Del Pozo, Corresponsal en España
Trailer "Siete Almas"
Appaloosa
Ed Harris quiso hacer un western memorable y se quedó a medias...
"Appaloosa" expone las aventuras de un sheriff ( Ed Harris ) y su fiel escudero ( Viggo Mortensen ) en una ciudad sin ley donde tendrán que vérselas con el malvado Randall Bragg ( Jeremy Irons ) y su numerosa pandilla de maleantes. Además, una señora llamada Allison French ( Renée Zellwegger ) se encargará de darle un toque de amor a la propuesta.
Sin duda, el gran mérito del film reside en los diálogos ingeniosos desconcertantes que presenciamos en todo momento. Lo mismo vemos a los actores protagonistas discutiendo sobre qué cortinas elegir como los vemos charlando sobre un próximo duelo a muerte.
También hay detalles que recuerdan vagamente a grandes del género como Sergio Leone o John Ford; éstos son: El silencio imperante en la mayor parte del metraje, el tratamiento de los primeros planos, la minuciosidad de los gestos, los códigos de honor...
Eso sí, aquí no hay ni rastro de la brutalidad de westerns como "Grupo Salvaje". Todo es limpio y pulcro, algo que bajo mi punto de vista le resta puntos a la película. Falta suciedad y mala ostia y sobra un triángulo amoroso prescindible, auspiciado por una Renée Zellwegger que hace uno de los peores papeles que yo recuerde rellenando la pantalla con gestos forzados y una sonrisa estúpida. Harris está correcto, aunque su personaje imprevisible hace que nos desconcierte en exceso: a veces infantil, a veces maduro, a veces gracioso...Viggo Mortensen tiene un personaje sobrio y serio mucho más lineal, pero le falta carisma, de él esperaba mucho más. Y Jeremy Irons tampoco destaca en exceso ya que no da la sensación de ser tan temible como debería ser un villano de categoría del género.
En fin, un film que se quedó en entretenido y poco más cuando con los ingredientes que tenía podía haber dado mucho más de sí.
Aureli Del Pozo
Appaloosa Trailer
"FUNCION DE GALA"
Clara y Alba parecen nombres mágicos de mujeres mágicas que anuncian la suave claridad del amanecer, pero estas dos mujeres son de “película” y son dos vengadoras que buscan la justicia contra sus violadores en un film que impactó en el corazón del Vigésimo Festival Internacional de Viña del Mar, “Función de Gala”.
En el marco del festival, uno de los más importantes de América Latina, se está exhibiendo una serie de interesantes películas que han estremecido la conciencia de los espectadores, pero la obra chilena "Función de Gala", dirigida por Gregory Cohen, surgió con la luminosidad propia de un rubí, diamante entre los diamantes, dando un particular brillo a la cita.
“Función de Gala”, es de esas películas que tienen todo lo que quieres que tenga una película de calidad, dejando entre el público la convincente sensación de que aun no lo ha visto todo en la magia del cine.
Con el fondo musical de diversas áreas de óperas, Clara y Alba deciden ejecutar con decisión su venganza contra dos hombres que 20 años antes las violaron dejándoles una huella de imborrable y dolorosa humillación en sus memorias. Para cumplir con sus objetivos, Clara y Alba cuentan con la ayuda de una enfermera y de dos guardias.
Durante la atractiva trama, las principales protagonistas invitan a familiares de sus ahora “víctimas” como testigos de un rito vengativo muy coherente a la violación: la castración de sus victimarios.
El celuloide nos sorprende día a día, y el cineasta chileno Gregory Cohen es uno de sus mejores exponente en América Latina, pues ésta es una de las mejores películas del festival viñamarino, pues hay que buscar detenidamente en la historia, en los anales cinematográficos, para encontrar –quizá si quizá no- algunos filmes donde los personajes no vociferen ninguna palabra, no discurseen, donde nuestros oídos se deleiten incluso con silencios incómodos. Si a toda esta ecuación se le agrega una sinfonía clásica perfecta, es ópera.
Cine de calidad, simplemente.
Si eres mujer y la venganza es tu motor, es ésta la película que andabas buscando: mujeres violadas en su infancia y un elegante resarcimiento torturarán la conciencia masculina, castrarán metódicamente y de forma elegante al espíritu bañado en sangre.
La femeneidad se ha tomado el cine.
Si tienes "miedo" de presenciar la cruda realidad de "Función de Gala" corre a la sala comercial más cercana de tu ciudad, que allí, el famoso cineasta Steven Spielberg te estará esperando con los brazos abiertos, para cegarte y mostrarte un cine mas superficial, más comercial, pero sin poesía.
En conversación exclusiva con EUROLATINNEWS, el guionista y director de Función de Gala", Gregory Cohen, nos confía en Viña del Mar las grandes expectativas que su film proyecta tanto en festivales de cine y salas “underground” como en las llamadas salas de "cine arte", que es el único camino que debe seguir, ya que la sociedad comercial aun no está apta para afrontar sus verdades y menos aun sus traumas viriles.
Cuando escuchen hablar de la película "Función de Gala" atrévanse, den un paso adelante, búsquenla en los cines o en la red, descárguenla, comprenla, que se encontrarán con una experiencia interesante.
¡ Una joya del cine moderno !..
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EL CINE LATINOAMERICANO ESTA DE FIESTA Y CHILE SU ANFITRION
El Festival de Cine Internacional de Viña del Mar, que crece como las onduladas y espumosas olas del Océano que baña sus costas, inició su Vigésima Edición con la presentación de la película argentina "El Frasco", de Alberto Lecchi, ante actores de Hollywwod especialmente invitados para la ocasión.
Este es uno de los festivales más importantes del continente y transforma por algunos días a Viña del mar en la capìtal del cine latinoamericano, bañando con cálidas aguas cinéfilas a un público calurosamente inquieto.
En su ceremonia inaugural, encabezada por el Director General del festival, el cineasta Edgardo Viereck, participaron la Ministra de Cultura de Chile, Paulina Urrutia, y el productor, director y actor norteamericano de origen mexicano Edward James Olmos, "la voz latina de Hollywood".
El mítico festival viñamarino, que ya entra en sus 20 años, ofrecerá en esta ocasión más de 300 horas de cine, divididas en 32 películas extranjeras, destacando la presencia de importants obras procedentes de países como Argentina, Brasil y España.
Chile, país donde crece paulatinamente la cantdad de filmaciones anuales, presentará ocho títulos en competencia.
Ademas, ha despertado también un particular interés una innumerable serie de cortometrajes y documentales que figuran en la nutrida programación del festival.
Para que el inicio de tan importante cita cinematográfica fuese especial, en la jornada inaugural se exhibió "El Frasco", película dirigida por el Argentino Alberto Lecchi y protagonizada por Leticia Bredice(que antes actuó en "Nueve Reinas") y por Darío Grandinetti (actor principal de "Hable con ella"), uno de los grandes actores argentinos de la actualidad.
La trama resulta interesante y divertida.
Pérez, el protagonista central, viaja ensimismado por ese "frasco", pero en un descuido, se le cae y se rompe. No puede creer su torpeza. Necesita quedar bien con Romina y se le ocurre una absurda solución. Esto da comienzo a una historia de amor muy especial entre dos personajes tan particulares "que hace que aún el peor de los conflictos nos arranque una sonrisa".
Con estas palabras su director Alberto Lecchi nos introduce en el contenido del filme inaugural, que narra la historia de Pérez, un hombre metódico, serio y tímido, conductor de un bus íntercomunal, y de Romina, una maestra de escuela, solitaria pero muy atractiva, que son capaces de enamorar, dejando de lado los artificios más comunes, sin clichés y métodos efectistas.
Acá no existen rosas rojas, barras de chocolates, solo silencios incomprendidos y palabras equivocadas, pero la necesidad de estar con el otro, sentirte acompañado, puede hacer dejar de lado los mas profundos miedos.
Cuando el entorno denosta, dice palabras a tu espalda, no mires hacia atrás y deja que tu vida siga porque en medio del camino te encontraras con sorpresas capaces de tomar tu casa rodante, tus sueños en movimientos y trasladarlos donde nadie tiene pensado ir, viajar al otro lado del arcoiris.
Si te dicen "mudo", no eres comprendido, y tus actos son erróneos, por el solo hecho de no querer defraudar a nadie, menos a la única persona que es capaz de interesarse en tu silencio, no corras, toma un alto en el camino, devuélvete y ve a buscarla, que tu mundo cambiara, se transformara en un paraíso.
Las enseñanzas de la película argentina son muchas.
Pocos films están protegidos por un recipiente, por un "frasco..." Sencillo, sin grandes adornos y pretensiones, pero que nos hace viajar por caminos y paisajes íntimos de dos personajes solitarios, extraños, pero capaces de enamorar, emocionar, y sacar una carcajada.
Emocionar y hacer reir, esto es lo que logra un festival de cine, abriendo los corazones y dejarnos capturar por la emoción de una historia bien hilvanada.
¡ Luz, Cámara, Acción...!
Durante una semana los protagonistas serán los actores, directores, cineastas en general y el público amante del celuloide.
Carlos Bermudez G.
(EUROLATINNEWS)
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"El Frasco" Trailer
Chile: Un mismo Cine
Estudios tras estudios, estadísticas tras estadísticas, cifras tras cifras, tratan de revelar el comportamiento del espectador nacional, frente a las diversas ofertas cinematográficas locales.
El éxito y el fracaso comercial de los films Chilenos, se debe a un aspecto publicitario, la calidad de los actores, (pero si son rostros de alguna multitienda), esto también suma al hacer un balance, pero creo que hay algo mas allá, los guiones son la base de las películas, y es aquí donde nos encontramos con las temáticas... aquellos elementos que componen una historia, los que le dan el sazón, condimentan a un delicioso plato cinematográfico.
Hagamos un pequeño ejercicio; Revisemos las películas con mas alto publico en los últimos 10 años... comencemos....
primero tendremos que mencionar al Chacotero sentimental, sexo con amor y Radio Corazón , sigamos..... de estas tres películas saquemos las temáticas centrales:
1-Chacotero sentimental: Infidelidad
Humor
Sexo
2-Sexo con amor: Infidelidad
Humor
Sexo
3-Radio corazón: Infidelidad
Humor
Sexo.
Acabamos de encontrar la formula perfecta para el éxito de taquilla, a cortar boletos, y a llenar salas, que este cine se expandirá, someterá a la conciencia culposa y nos burlaremos, de nuestra realidad. Para que sociólogos, sicólogos y libros de auto-ayuda si estas películas son realmente
“Una terapia masiva”.
Bajo este planteamiento, podremos sacar varias conclusiones.... es el espectador el que quiere ver este tipo de películas, somos nosotros, los que las convertimos en fenómenos comerciales, lo que no esta mal, si eres capaz de soslayar este mundo imaginario y tus exigencias creativas.
Seamos honestos dejemos de una vez por todas el doble discurso, no llenamos salas para ver la historia de una familia en la casa de veraneo justo en semana santa (“sagrada familia”), o la historia de dos personas ajenas en la habitación de un motel (“en la Cama”).
Estas películas pasan sin penas ni glorias, no alcanzan a recaudar el suficiente dinero, para salvar la producción, pero les cuento en secreto, es este tipo de cine el que gana festivales, el que esta entre las mas premiadas, y son la cara visible de chile, el cine chileno, ante el mundo.
Los invito a descubrir un nuevo mundo, un cine ubicuo, cuando se nos presente una película que no tengan gigantografias en las calles, que las criticas no la tomen en cuenta, no dude en decir “ esta película tengo que ir a ver” porque le aseguro que cambiara sus gustos y sus exigencias cinéfilas, será su redención.
LA RONDA DE NOCHE
El cine no fue inventado en el París de 1895 por los hermanos Lumiére, sino que ya había sido descubierto siglos atrás por los pintores de la luz, Rubens, Velázquez, Caravaggio y Rembrandt. Semejante afirmación sale de boca del inglés Peter Greeenaway, director siempre contracorriente que analiza en su última película, La ronda de noche, la intensa vida del holandés Rembrant, centrándose en los acontecimientos que rodearon a la creación de su obra más famosa.
La primera película realizada con efectos de luz por el director estadounidense Cecil B. De Mille se anunció con el eslogan “el primer film iluminado al estilo de Rembrandt”. Si existe un elemento fundamental a la hora de construir imágenes, ya sean pictóricas o fílmicas, ese es la luz. En el Barroco, ésta se convierte en la verdadera protagonista, en el elemento fundamental de la mayoría de las obras de artistas como Caravaggio, Vermeer o Rembrandt. Muy probablemente, éste último haya sido uno de los pintores que más han conseguido inspirar a fotógrafos y cineastas, por lo que no es extraño que su influencia, e incluso su propia figura se hagan presentes en muchas películas. Ya en 1936, el director Alexander Korda realizó una biografía del pintor con Charles Laughton como protagonista. Durante el siglo XVI, Rembrant se convirtió en el pintor de mayor notoriedad desde el Renacimiento, disfrutando de un temprano éxito que no impediría, sin embargo, que pocos años después fuese cayendo en el olvido sin una razón concreta. Tras un exhaustivo proceso de documentación, el director Peter Greenaway, de formación pictórica antes que cinematográfica, aventura una posible hipótesis de dichos motivos, partiendo de la elaboración del famosos cuadro La ronda de noche, pintado por encargo entre 1640 y 1642 y que representa a una compañía militar, tras la que, según el director inglés, Rembrant quiso denunciar una trama criminal.
Con una cuidadísima y elaborada fotografía, La ronda de noche se aleja del tópico y típico biopic hollywoodiense sobre artistas incomprendidos y solitarios, para tratar de captar el momento mismo de la creación y la inspiración artística. Con una puesta en escena teatral, la película explora los límites de la representación y la realidad, reflexionando sobre dos artes, el cine y la pintura, con voluntad de imitar a la realidad. Al igual que en películas anteriores del director inglés, como El vientre del arquitecto o El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, encontramos una abundante presencia de desnudos, mayoritariamente femeninos, altas dosis de sexo y erotismo y un peculiar interés por las necesidades fisiológicas del cuerpo humano, con personajes vomitando, orinando…La películas de Greenaway es una apuesta arriesgada e interesante, pero cuyo desarrollo narrativo no lineal puede despistar, aburrir e incluso llegar a desquiciar al espectador.
Rembrant es considerado “el pintor de los sentimientos”, alguien capaz de empatizar con aquellos a los que pintaba y que gozó de éxito y notoriedad al hacer comprensible su arte y ser capaz de comunicar a la gente aquello que quería trasmitir. Así pues, no resulta extraño que Peter Greenaway, director incomprendido y, muchas veces, incomprensible, se haya mostrado interesado por su figura. El director inglés aspira a llegar a la gente, a comunicarse con el público, pero se niega a hacerlo de forma convencional. El arte que no intenta renovarse, está condenado a morir. Para Greenaway, el cine tal como lo entendemos hoy está muerto, pero no su vocabulario, por lo que es necesario explorar y encontrar nuevas formas de expresión. En su decimoquinta película, Peter Greenaway, en un intento por simplificar sus ideas y llegar a un mayor número de espectadores, retorna al origen de su cine, consiguiendo una película interesante y más sencilla que anteriores obras del inglés, pero que aún sigue requiriendo la colaboración de un espectador cómplice, forzado a realizar un sobreesfuerzo para disfrutar de la película, algo por lo que no todo el mundo está dispuesto a pasar.
Rosa Cabrera Díez
Madrid, España
roscabrera@hotmail.com
La ronda de noche - Tráiler español
El nuevo cine Chileno
El cine chileno es un cine con cicatrices, es un cine con exilio, es un cine con transición y ahora es un nuevo cine lleno de aspiraciones y metas internacionales.
Cuesta pensar que por más de 15 años en un pequeño país los grandes creadores eran asesinados o en el mejor de los casos exiliados. Cuesta pensar que por más de 15 años en un país las expresiones artísticas eran prohibidas, cuesta pensar que por más de 15 años en un país, su cine, tenia que realizarse en el extranjero. Pero, no hay que pensar tanto porque este país existe. Está ubicado al sur del mundo, entre una blanca cadena montañosa y un Océano Pacífico que poco tiene de “pacífico”. Su nombre es CHILE. Si en la década de los 90 las narraciones cinematográficas eran de corte social, de corazones heridos, de libertad y rencor, es porque estaban muy latentes aún los efectos de una dictadura militar (1973-90) que no dejaba sonreír. El mejor ejemplo de esto, es una película llamada "La Frontera", una oda a la libertad y al rencor poético, dirigida por el director chileno Ricardo Larrain y premiada en 1992 en el importante Festival de Berlín. Pero un país cambia, madura, evoluciona, y es aquí donde se escribe una nueva historia, un nuevo guión cinematográfico, que da nacimiento al NUEVO CINE CHILENO.
Con la llegada del nuevo siglo, desde el mismo año 2000, crece un nuevo semillero de cineastas, ayudados por las escuelas de cine que han florecido en el país como el mejor de los jazmines. Estas escuelas se han dedicado a formar jóvenes democratizados... con nuevas temáticas, nueva estética y recursos narrativos. Por ello, ya no se cuentan grandes historias con personajes épicos como protagonistas, pues lo que importa son las historias sencillas, aquéllas que pueden ocurrir a cualquier persona. Son esas narraciones que uno puede escuchar en la sala de espera de una consulta medica, en la locomoción colectiva, o -porque no- en un confesionario… Estas nuevas historias se alejan de los mensajes ideológicos, no se enriquecen con ningún tipo de lucha social o una manipulación política (como ocurría en los años 70 y más cercano aun en los 90) plagada de submensajes.
Contar la historia de una pareja de desconocidos en una habitación de un motel (como en “La cama”, dirigida por Matías Bize) o un fin de semana en la casa de veraneo (como en “La sagrada familia”, dirigida por Sebastián Campos) son aquéllas películas que se han abierto un camino en la internacionalización del cine nacional, las que han permitido una suerte de resurrección del cine chileno.> Y, lo más importante de este renovado esfuerzo, es que son estas películas las que ganan importantes festivales en Europa, América Latina y en otras regiones del mundo. También hay que mencionar en esta alentadora fase al “otro” cine chileno, como el representado en “Kiltro” –la primera película de artes marciales, realizada en Chile- y en otros filmes nacionales que forman parte de un “estilo holywoodense a la chilena”, pero que se logran filmar sin grandes presupuestos. Pero, lamentablemente el nuevo cine chileno no llena salas de cine comerciales, pues estas películas no están entre las más vistas del año en el mercado nacional. Solo se dirigen a un publico selectivo, especializado, a un publico cinéfilo. Aun en Chile se quieren ver automóviles volando, seres mitológicos, finales felices.
¿Cómo se puede luchar contra este mercado de fantasía?, es la interrogante que vuela de boca en boca entre los cinéfilos y entre los jóvenes cineastas de esta era democrática.
La respuesta es sencilla: es de necesidad urgente ampliar la presencia chilena en los festivales internacionales y conseguir co-producciones para abrir más las puertas hacia el exterior y volver con gloria a un país que parece esperar siempre el éxito en el extranjero antes de hacer justicia en casa a los creadores nacionales. Así se ampliarán las posibilidades comerciales y los jóvenes directores no se verán obligados a contar historias financiadas con “lo que tengo en el bolsillo del pantalón”, con un “presupuesto cero”. Ya no se “aspirará” más a esta idea soñadora de hacer cine sin dinero.
“Cuanto presupuesto tengo es como lo hago”, afirman estos empeñosos cineastas chilenos que no dejan de soñar aún con festivales y con guiones apoados con presupuestos adecuados. Esto enriquece todo, esencialmente la creatividad, pues los jóvenes cinastas tienen muchos guiones pensados que no pueden llevar al papel ni menos poner frente a las cámaras debido a la ausencia de financiamiento. Ahora, impulsados con las ambiciones de este “nuevo cine”, las nuevas generaciones de cineastas chilenos están con lápiz y papel en mano, escribiendo nuevos guiones y sintiéndote desde ya como los menores narradores del mundo. Soñando en un próximo estreno en las salas de cine de Chile y del mundo.
Lo mejor de esta nueva tendencia, de este nuevo viñedo cinematográfico, es que tiene distintas cepas, pero lo mejor y lo más importante, que es de exportación.
Carlos Bermúdez G.
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Clips "El nuevo cine Chileno
SE ARRIENDA - MACHUCA - EN LA CAMA
El amor en los tiempos del Colera
CUANDO EL AMOR TIENE LOS MISMOS SÍNTOMAS DEL CÓLERA 
La versión cinematográfica de la magna obra de Gabriel García Márquez “El amor en los tiempos del cólera” tuvo ecos dispares en su estreno mundial en Europa y América Latina, ejerciendo un especial atractivo en Chile, donde fue recibida con críticas agridulces. La fuerza del amor puede ser agridulce, áspera o mortal…con síntomas que pueden compararse a la lúgubre llama del cólera que mata sin piedad.
La fuerza poética de la pluma del gran escritor colombiano no logra ser bien interpretada en su justo nivel en una adaptación cinematográfica “a la americana”, en el marco de la cual difícilmente se puede gozar a placer de la magia del surrealismo literario del Nóbel García Márquez, pese a la gran calidad de los actores elegidos. Por ello, cuando me dejo atrapar por la colosal oscuridad del cine y me ubico en la butaca para dejarme conquistar por las imágenes que se proyectan… me doy cuenta que solo tengo tres opciones:
- La primera, comentar ágriamente la version cinematográfica de esta afamada obra literaria de García Márquez… pero me quedo sin palabras.
- La segunda, comparar la novela con esta película… y prefiero dar un paso al costado.
- La tercera, simplemente… escribir una carta de amor en homenaje al amor, una opción que no dudo en adoptar.
Querida Fermina Daza, Diosa Coronada. Si tuviese que regalarte una película para entrar en lo más profundo de tu corazón, seria la adaptación de una gran novela colombiana. Si tuviese que regalarte una película para sentirnos interpretados, estaría protagonizada por Javier Bardem y Giovanna Mezzogiorno. Si tuviese que regalarte una película para declararte mi amor, esta seria dirigida por Mike Newell… seria… "El amor en los tiempos del cólera". Cuando 623 mujeres no son capaces de borrar del corazón a una mujer… es porque ella es una enfermedad. Es aquella epidemia que a todos nos gustaría contagiar, aquella epidemia que ningún doctor Urbina es capaz de curar. Si todas las enfermedades tuviesen estos síntomas la vida siempre tendría sentido, una razón de vivir. Cuando el cólera no es capaz de acabar con nuestra existencia, será porque la DIOSA CORONADA es nuestra protección, es nuestro anticuerpo que nos mantiene inmune. Ya no queremos más científicos, laboratorios médicos, farmacias… porque se ha descubierto una nueva medicina, pero no habrá que desesperar, pues llegará a nuestras manos en cualquier momento y en cualquier lugar, solo tenemos que estar atentos… su nombre: FERMINA.
Sacando cuentas…51 años, 9 meses, 4 días, es la cantidad de tiempo que puede esperar un hombre, a la mujer que ama. Es el tiempo que puede llegar a durar una agonía y una esperanza. Soñar con tenerla cerca nos puede hacer recorrer caminos nunca pensados, como a nuestro amigo Florentino que de un simple telegrafista pasó a ser dueño de una naviera .¡Quién lo diría…! Un joven enamorado convertido en un eterno romántico. Seria hermoso saber que más hombres en el mundo lo dan todo por el amor, seria hermoso dejar de simular, seria hermoso escribir en todas las bancas del mundo Fermina Daza.¡Para nunca olvidar el amor! Quizás cuantas cartas mas te escriba FLORENTINO, quizás sea la última… pero lo único que vamos a agradecer el día su muerte, es que murió por amor.
¡¡ El amor mata como el cólera !!
Carlos Bermúdez G.
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Trailer El amor en los tiempos del Colera
Ciudad de Dios
Vivir con tu talento o matar por tu talento
Cuando pecar es el primer mandamiento…
Cuando la muerte, es un juego de niños…
Cuando los rezos no son escuchados…
Es porque vives en CIUDAD DE DIOS.
“Ciudad de Dios…” es la ciudad universal, es la ciudad donde no te queda otra opción más que sobrevivir, es la ciudad donde Cohete y Ze Pequenho crean su propio evangelio: Vivir con tu talento o matar por tu talento.
Pocas películas, como esta gran obra brasileña con tantos mensajes y guiños sociales, nos muestran el Edén tal cual es, con las dos formas de vidas impuestas por el SEÑOR, ser el bueno o ser el malo…
Si en los años 60 el Paraíso estaba compuesto por esperanza, en la actualidad está lleno de frustraciones: perseguir una gallina para alimentarse es lo mismo que perseguir los sueños para vivir, hay quienes prefieren apretar el gatillo de una pistola y otros el disparador de una cámara fotográfica.
Caminar por las calles con la frente en alto, tener a la mujer que quieres, sentirte Dios sólo porque tienes un revólver en la mano, está bien, cuando, donde vives es tú ciudad, y por sobre todo cuando eres Dios.
Acá los niños no juegan. Se destruyen. Entre más pequeño entres al mundo real más hombre serás. Será divino vivir en la marginalidad, será sagrado matar a un niño, serás bendecido por vender droga.
Ya no subiremos a ningún monte para comunicarnos con el padre celestial. Ahora, vamos a tener que subir a esta favela.
Sólo hay una cosa clara, Ciudad de Dios tendría que estar en la Biblia Cinematográfica. Tendría que ser de aquéllos pasajes nunca olvidados. Tendría que ser el Apocalipsis… que San Pablo, que San Mateo…desde hoy… son San Cohete, San Ze Pequenho. Son aquéllos apóstoles que nadie quiere mencionar, pero son los más verdaderos.
Si San Ze Pequenho nos ofrece un poco de droga, porque no aceptarla. Sería nuestra agua bendita…¡Mmmmm… que manjar para nuestro cerebro…nuestra droga santa!
Si San Cohete nos ofrece posar para una fotografía no pienses en decir que no, porque perdurarás en una santa escritura visual.
¡Ahora estamos en el mismo mundo espiritual..!
Desde hoy nuestra iglesia es una pantalla y un reproductor.
La magia del cine nos lleva al Cielo…a la Ciudad de Dios.
La “Ciudad de Dios” puede estar en Chile, Brasil, Argentina, Colombia, México o Venezuela. En cualquier país de América Latina, Asia, Africa o Europa.
¡Dios está en todas partes!
Carlos Bermúdez G.
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Trailer Ciudad de dios
Requiem for a dream
¿Con que Moral?
cinematografía moral. Este es el caso de la película “ Réquiem for a dream”,
una suerte de Apocalipsis trágico para la vida de cuatro almas divagantes que solo buscan alcanzar sus sueños.
Lo erróneo esta en la forma y en los recursos que esta ocupa, mezclando el
paso
por las drogas y la fatídica soledad. ¿ será tan así ?, Creo que solo se
ocupa como recurso narrativo, ya que, lo cotidiano dice lo contrario, cuanta
gente ama la soledad y no termina destruido en el ocaso, o cuanta gente
busca la soledad por un goce espiritual. Muchos de nosotros solo buscamos la tranquilidad de nuestro entorno, aunque sea por poco tiempo pero se busca.
Muchos estudios ocupan la soledad como entrada al “terrible mundo de las
drogas” siendo que a este umbral pude ingresar quien quiera, sin necesidad de una cedula de identidad, ser mayor de dieciocho años, ser negro o blanco, ser pobre o adinerado, o mas aun, tener “problemas familiares”, como nos dice una sociedad cínica y plagada de travestismo moral ( de día somos correctos y de noche turbios), que no se cansa de culpar a otros por nuestros “pecados”. Solo queremos dar clases, consejos y porque no enseñanzas de vida, como si la nuestra fuese ideal y alejadas de estos problemas.
Todos conocemos personas que consumen drogas ( el vecino, un pariente lejano el amigo de un amigo) y nosotros ¿NO?, ¿SEGUROS?. Todos consumimos drogas de una u otra forma, con distinta habitualidad pero lo hacemos y no nos damos cuenta o no nos queremos dar cuenta. Todos alguna vez hemos consumido alcohol o hemos aspirado el humo de un cigarrillo, o mas aun hemos tomado una pero solo una aspirina... si, no me lo diga ¡la aspirina no es droga¡, “SE EQUIVOCO”... Si lo es, con el solo hecho de que produzca cambios en su organismo basta y sobra.
Esto cambia todo, ahora hablamos el mismo idioma, el de la causalidad, todos nos quemamos con el fuego, todos nos autodestruimos, nos hacemos daño. Con cualquier elemento o de cualquier forma.
Así que dejemos nuestra moralidad para los textos escolares, la misa del domingo, los diarios, el conace y NUESTRAS PELICULAS FAVORITAS.
C.B.G.
Video Requiem for a dream
Blade Runner
naturaleza. Además hay una preeminencia de las organizaciones formales frente a las tradicionales.
La escenografia futurista de Blade Runner simula a Los Ángeles en el año 2019. Se presenta una mole urbana en la que no se observan rasgos ecológicos algunos. Es una ciudad con una "suciedad estructural", se hace clara la existencia de un éxodo a colonias en otras partes de la galaxia. Una huida probablemente motivada por la destrucción, la sobrepoblación, la suciedad. Una ciudad llena de mezcolanza racial donde se habla un idioma, Por otro lado, se presenta una ciudad vaciada donde habitan seres extraños o deformes, seres pertenecientes a nuestro inconciente.
En Blade Runner, las nuevas tecnologías (ingeniería genética) describen el paso que ha habido de una sociedad apoyada en un flujo de innovaciones técnicas materiales (sociedad industrial) a otra (sociedad de servicios) que reposa sobre el flujo de innovaciones técnicas abstractas (autonomía relativa o "vida propia").
La sociedad en Blade Runner vive en un mundo tecnocultural; un mundo dominado, por la "barbarie del especialismo" y el "terrorismo de laboratorios". Tras la exposición de una firme duda en el optimismo científico, Blade Runner va más allá al negar la creencia en la posibilidad y conveniencia de tecnificar todo problema vital mediante su solución experta o mecánica.
Técnicamente, la memoria tiene una función en los replicantes. En palabras del propio Tyrell:"Más humanos que los humanos". Rachael es un experimento, nada más. Empezamos a percibir en ellos extrañas obsesiones. Después de todo son inexpertos emocionalmente. Con unos años para almacenar las experiencias que usted y yo damos por supuesto. Si les obsequiamos con un pasado creamos un apoyo para sus emociones y, consecuentemente, podemos controlarlos mejor.La consideración de la memoria en los replicantes es para la tecnología un factor más de funcionamiento del sistema que han posibilitado crear.
La memoria sirve para dar un sentido al tiempo y proporcionar un espacio al que aferrarse ante los eventos de la vida. Los recuerdos de Rachael proporcionan el sentido de lo prohibido, de los vínculos familiares, del despertar a la sexualidad y del surgimiento y crueldad de la vida. Son los valores propios del aprendizaje en la infancia. Valores que confieren a los humanos cierta inteligencia emocional y capacidad para establecer juicios éticos. Prueba de ello es el hecho de que Rachael llore al recordar y al comprender que es una replicante. Incluso Deckard tiene su piano cubierto de fotos en la necesidad de recordar que tiene un pasado y, de esta forma, mantener la ilusión de que la vida tiene un sentido.
No obstante, como se refleja en la película, en cuanto los replicantes son conscientes de su condición la memoria deja de cumplir su función, pues su uso tecnológico no significa un entendimiento de su esencia. Por otra parte, algunos replicantes (Rachael no, por ejemplo) son unos humanoides creados con un desorden genético congénito que condiciona su existencia al plazo de cuatro años. Por ello, en su afán por vivir más, quieren que su genoma sea recodificado; cosa que es imposible. Ahora bien, los seres humanos han de prolongar su existencia de alguna forma.
C.B.G
Trailer Blade Runner
