Clara y Alba parecen nombres mágicos de mujeres mágicas que anuncian la suave claridad del amanecer, pero estas dos mujeres son de “película” y son dos vengadoras que buscan la justicia contra sus violadores en un film que impactó en el corazón del Vigésimo Festival Internacional de Viña del Mar, “Función de Gala”.
En el marco del festival, uno de los más importantes de América Latina, se está exhibiendo una serie de interesantes películas que han estremecido la conciencia de los espectadores, pero la obra chilena "Función de Gala", dirigida por Gregory Cohen, surgió con la luminosidad propia de un rubí, diamante entre los diamantes, dando un particular brillo a la cita.
“Función de Gala”, es de esas películas que tienen todo lo que quieres que tenga una película de calidad, dejando entre el público la convincente sensación de que aun no lo ha visto todo en la magia del cine.
Con el fondo musical de diversas áreas de óperas, Clara y Alba deciden ejecutar con decisión su venganza contra dos hombres que 20 años antes las violaron dejándoles una huella de imborrable y dolorosa humillación en sus memorias. Para cumplir con sus objetivos, Clara y Alba cuentan con la ayuda de una enfermera y de dos guardias.
Durante la atractiva trama, las principales protagonistas invitan a familiares de sus ahora “víctimas” como testigos de un rito vengativo muy coherente a la violación: la castración de sus victimarios.
El celuloide nos sorprende día a día, y el cineasta chileno Gregory Cohen es uno de sus mejores exponente en América Latina, pues ésta es una de las mejores películas del festival viñamarino, pues hay que buscar detenidamente en la historia, en los anales cinematográficos, para encontrar –quizá si quizá no- algunos filmes donde los personajes no vociferen ninguna palabra, no discurseen, donde nuestros oídos se deleiten incluso con silencios incómodos. Si a toda esta ecuación se le agrega una sinfonía clásica perfecta, es ópera.
Cine de calidad, simplemente.
Si eres mujer y la venganza es tu motor, es ésta la película que andabas buscando: mujeres violadas en su infancia y un elegante resarcimiento torturarán la conciencia masculina, castrarán metódicamente y de forma elegante al espíritu bañado en sangre.
La femeneidad se ha tomado el cine.
Si tienes "miedo" de presenciar la cruda realidad de "Función de Gala" corre a la sala comercial más cercana de tu ciudad, que allí, el famoso cineasta Steven Spielberg te estará esperando con los brazos abiertos, para cegarte y mostrarte un cine mas superficial, más comercial, pero sin poesía.
En conversación exclusiva con EUROLATINNEWS, el guionista y director de Función de Gala", Gregory Cohen, nos confía en Viña del Mar las grandes expectativas que su film proyecta tanto en festivales de cine y salas “underground” como en las llamadas salas de "cine arte", que es el único camino que debe seguir, ya que la sociedad comercial aun no está apta para afrontar sus verdades y menos aun sus traumas viriles.
Cuando escuchen hablar de la película "Función de Gala" atrévanse, den un paso adelante, búsquenla en los cines o en la red, descárguenla, comprenla, que se encontrarán con una experiencia interesante.
¡ Una joya del cine moderno !..
(EUROLATINNEWS)
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"FUNCION DE GALA"
EL CINE LATINOAMERICANO ESTA DE FIESTA Y CHILE SU ANFITRION
El Festival de Cine Internacional de Viña del Mar, que crece como las onduladas y espumosas olas del Océano que baña sus costas, inició su Vigésima Edición con la presentación de la película argentina "El Frasco", de Alberto Lecchi, ante actores de Hollywwod especialmente invitados para la ocasión.
Este es uno de los festivales más importantes del continente y transforma por algunos días a Viña del mar en la capìtal del cine latinoamericano, bañando con cálidas aguas cinéfilas a un público calurosamente inquieto.
En su ceremonia inaugural, encabezada por el Director General del festival, el cineasta Edgardo Viereck, participaron la Ministra de Cultura de Chile, Paulina Urrutia, y el productor, director y actor norteamericano de origen mexicano Edward James Olmos, "la voz latina de Hollywood".
El mítico festival viñamarino, que ya entra en sus 20 años, ofrecerá en esta ocasión más de 300 horas de cine, divididas en 32 películas extranjeras, destacando la presencia de importants obras procedentes de países como Argentina, Brasil y España.
Chile, país donde crece paulatinamente la cantdad de filmaciones anuales, presentará ocho títulos en competencia.
Ademas, ha despertado también un particular interés una innumerable serie de cortometrajes y documentales que figuran en la nutrida programación del festival.
Para que el inicio de tan importante cita cinematográfica fuese especial, en la jornada inaugural se exhibió "El Frasco", película dirigida por el Argentino Alberto Lecchi y protagonizada por Leticia Bredice(que antes actuó en "Nueve Reinas") y por Darío Grandinetti (actor principal de "Hable con ella"), uno de los grandes actores argentinos de la actualidad.
La trama resulta interesante y divertida.
Pérez, el protagonista central, viaja ensimismado por ese "frasco", pero en un descuido, se le cae y se rompe. No puede creer su torpeza. Necesita quedar bien con Romina y se le ocurre una absurda solución. Esto da comienzo a una historia de amor muy especial entre dos personajes tan particulares "que hace que aún el peor de los conflictos nos arranque una sonrisa".
Con estas palabras su director Alberto Lecchi nos introduce en el contenido del filme inaugural, que narra la historia de Pérez, un hombre metódico, serio y tímido, conductor de un bus íntercomunal, y de Romina, una maestra de escuela, solitaria pero muy atractiva, que son capaces de enamorar, dejando de lado los artificios más comunes, sin clichés y métodos efectistas.
Acá no existen rosas rojas, barras de chocolates, solo silencios incomprendidos y palabras equivocadas, pero la necesidad de estar con el otro, sentirte acompañado, puede hacer dejar de lado los mas profundos miedos.
Cuando el entorno denosta, dice palabras a tu espalda, no mires hacia atrás y deja que tu vida siga porque en medio del camino te encontraras con sorpresas capaces de tomar tu casa rodante, tus sueños en movimientos y trasladarlos donde nadie tiene pensado ir, viajar al otro lado del arcoiris.
Si te dicen "mudo", no eres comprendido, y tus actos son erróneos, por el solo hecho de no querer defraudar a nadie, menos a la única persona que es capaz de interesarse en tu silencio, no corras, toma un alto en el camino, devuélvete y ve a buscarla, que tu mundo cambiara, se transformara en un paraíso.
Las enseñanzas de la película argentina son muchas.
Pocos films están protegidos por un recipiente, por un "frasco..." Sencillo, sin grandes adornos y pretensiones, pero que nos hace viajar por caminos y paisajes íntimos de dos personajes solitarios, extraños, pero capaces de enamorar, emocionar, y sacar una carcajada.
Emocionar y hacer reir, esto es lo que logra un festival de cine, abriendo los corazones y dejarnos capturar por la emoción de una historia bien hilvanada.
¡ Luz, Cámara, Acción...!
Durante una semana los protagonistas serán los actores, directores, cineastas en general y el público amante del celuloide.
Carlos Bermudez G.
(EUROLATINNEWS)
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"El Frasco" Trailer
Chile: Un mismo Cine
Estudios tras estudios, estadísticas tras estadísticas, cifras tras cifras, tratan de revelar el comportamiento del espectador nacional, frente a las diversas ofertas cinematográficas locales.
El éxito y el fracaso comercial de los films Chilenos, se debe a un aspecto publicitario, la calidad de los actores, (pero si son rostros de alguna multitienda), esto también suma al hacer un balance, pero creo que hay algo mas allá, los guiones son la base de las películas, y es aquí donde nos encontramos con las temáticas... aquellos elementos que componen una historia, los que le dan el sazón, condimentan a un delicioso plato cinematográfico.
Hagamos un pequeño ejercicio; Revisemos las películas con mas alto publico en los últimos 10 años... comencemos....
primero tendremos que mencionar al Chacotero sentimental, sexo con amor y Radio Corazón , sigamos..... de estas tres películas saquemos las temáticas centrales:
1-Chacotero sentimental: Infidelidad
Humor
Sexo
2-Sexo con amor: Infidelidad
Humor
Sexo
3-Radio corazón: Infidelidad
Humor
Sexo.
Acabamos de encontrar la formula perfecta para el éxito de taquilla, a cortar boletos, y a llenar salas, que este cine se expandirá, someterá a la conciencia culposa y nos burlaremos, de nuestra realidad. Para que sociólogos, sicólogos y libros de auto-ayuda si estas películas son realmente
“Una terapia masiva”.
Bajo este planteamiento, podremos sacar varias conclusiones.... es el espectador el que quiere ver este tipo de películas, somos nosotros, los que las convertimos en fenómenos comerciales, lo que no esta mal, si eres capaz de soslayar este mundo imaginario y tus exigencias creativas.
Seamos honestos dejemos de una vez por todas el doble discurso, no llenamos salas para ver la historia de una familia en la casa de veraneo justo en semana santa (“sagrada familia”), o la historia de dos personas ajenas en la habitación de un motel (“en la Cama”).
Estas películas pasan sin penas ni glorias, no alcanzan a recaudar el suficiente dinero, para salvar la producción, pero les cuento en secreto, es este tipo de cine el que gana festivales, el que esta entre las mas premiadas, y son la cara visible de chile, el cine chileno, ante el mundo.
Los invito a descubrir un nuevo mundo, un cine ubicuo, cuando se nos presente una película que no tengan gigantografias en las calles, que las criticas no la tomen en cuenta, no dude en decir “ esta película tengo que ir a ver” porque le aseguro que cambiara sus gustos y sus exigencias cinéfilas, será su redención.
LA RONDA DE NOCHE
El cine no fue inventado en el París de 1895 por los hermanos Lumiére, sino que ya había sido descubierto siglos atrás por los pintores de la luz, Rubens, Velázquez, Caravaggio y Rembrandt. Semejante afirmación sale de boca del inglés Peter Greeenaway, director siempre contracorriente que analiza en su última película, La ronda de noche, la intensa vida del holandés Rembrant, centrándose en los acontecimientos que rodearon a la creación de su obra más famosa.
La primera película realizada con efectos de luz por el director estadounidense Cecil B. De Mille se anunció con el eslogan “el primer film iluminado al estilo de Rembrandt”. Si existe un elemento fundamental a la hora de construir imágenes, ya sean pictóricas o fílmicas, ese es la luz. En el Barroco, ésta se convierte en la verdadera protagonista, en el elemento fundamental de la mayoría de las obras de artistas como Caravaggio, Vermeer o Rembrandt. Muy probablemente, éste último haya sido uno de los pintores que más han conseguido inspirar a fotógrafos y cineastas, por lo que no es extraño que su influencia, e incluso su propia figura se hagan presentes en muchas películas. Ya en 1936, el director Alexander Korda realizó una biografía del pintor con Charles Laughton como protagonista. Durante el siglo XVI, Rembrant se convirtió en el pintor de mayor notoriedad desde el Renacimiento, disfrutando de un temprano éxito que no impediría, sin embargo, que pocos años después fuese cayendo en el olvido sin una razón concreta. Tras un exhaustivo proceso de documentación, el director Peter Greenaway, de formación pictórica antes que cinematográfica, aventura una posible hipótesis de dichos motivos, partiendo de la elaboración del famosos cuadro La ronda de noche, pintado por encargo entre 1640 y 1642 y que representa a una compañía militar, tras la que, según el director inglés, Rembrant quiso denunciar una trama criminal.
Con una cuidadísima y elaborada fotografía, La ronda de noche se aleja del tópico y típico biopic hollywoodiense sobre artistas incomprendidos y solitarios, para tratar de captar el momento mismo de la creación y la inspiración artística. Con una puesta en escena teatral, la película explora los límites de la representación y la realidad, reflexionando sobre dos artes, el cine y la pintura, con voluntad de imitar a la realidad. Al igual que en películas anteriores del director inglés, como El vientre del arquitecto o El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, encontramos una abundante presencia de desnudos, mayoritariamente femeninos, altas dosis de sexo y erotismo y un peculiar interés por las necesidades fisiológicas del cuerpo humano, con personajes vomitando, orinando…La películas de Greenaway es una apuesta arriesgada e interesante, pero cuyo desarrollo narrativo no lineal puede despistar, aburrir e incluso llegar a desquiciar al espectador.
Rembrant es considerado “el pintor de los sentimientos”, alguien capaz de empatizar con aquellos a los que pintaba y que gozó de éxito y notoriedad al hacer comprensible su arte y ser capaz de comunicar a la gente aquello que quería trasmitir. Así pues, no resulta extraño que Peter Greenaway, director incomprendido y, muchas veces, incomprensible, se haya mostrado interesado por su figura. El director inglés aspira a llegar a la gente, a comunicarse con el público, pero se niega a hacerlo de forma convencional. El arte que no intenta renovarse, está condenado a morir. Para Greenaway, el cine tal como lo entendemos hoy está muerto, pero no su vocabulario, por lo que es necesario explorar y encontrar nuevas formas de expresión. En su decimoquinta película, Peter Greenaway, en un intento por simplificar sus ideas y llegar a un mayor número de espectadores, retorna al origen de su cine, consiguiendo una película interesante y más sencilla que anteriores obras del inglés, pero que aún sigue requiriendo la colaboración de un espectador cómplice, forzado a realizar un sobreesfuerzo para disfrutar de la película, algo por lo que no todo el mundo está dispuesto a pasar.
Rosa Cabrera Díez
Madrid, España
roscabrera@hotmail.com
La ronda de noche - Tráiler español
El honor perdido de Elena Varela
No la conozco, nunca había oído hablar de ella, he tenido que hacer esfuerzos para adivinar cómo es su cara en la única borrosa foto que apareció en la prensa, pero es difícil no pensar hoy en Elena Varela, cineasta, productora y guionista, compositora y gestora cultural, directora de Ojo Film, fundadora de la Escuela de Todas las Artes y de la Orquesta Sinfónica de Niños de Panguipulli. En este momento ella está encerrada en una celda helada y sin luz, sin comunicación con el exterior, sin derecho a leer o ver las noticias. Ha sido interrogada con virulencia. Amigos, colaboradores y familiares fueron amenazados. Su productora fue destrozada en un allanamiento.
Los cargos contra ella son graves: entre otras cosas, se la acusa de ser financista y autora intelectual de dos asaltos –uno de ellos con víctimas fatales- como parte de una célula mirista. La jueza Andrea Urbina decretó increíblemente que ella debe estar en "prisión preventiva" durante seis meses. "Para que la fiscalía investigue", dijo. Todavía no es posible saber de la seriedad o sustento de las acusaciones, pero sí se sabe ya que el escarnio fue brutal. La Policía de Investigaciones requisó todo el material fílmico que ella había acumulado durante cuatro años de trabajo como parte del documental Newen Mapuche.
Lo primero que asombra es el comportamiento de la prensa y la televisión: sin que medie juicio o sentencia alguna, Varela ya fue condenada. En la prensa chilena el caso ha sido confinado a escuetas notas en las páginas policiales. Nadie ha investigado el caso, nadie ha averiguado sobre la cineasta, nadie ha preguntado quién es ni qué estaba haciendo realmente allí. Se han limitado a lapidarla. No es forzado el paralelo con la novela del Premio Nobel alemán Heinrich Böll, El honor perdido de Katharina Blum, que relata un caso real: cómo la prensa hizo pedazos la vida privada de una mujer.
En las páginas culturales el tema de Elena Varela no ha sido tratado ni por asomo. Los periodistas se limitaron a inquirir a las autoridades cómo es posible que se le haya otorgado financiamiento del Fondart a una terrorista. El reportero que cubrió el caso para Televisión Nacional acusó a la cineasta, textualmente, del crimen de "vinculación con la etnia mapuche". El estereofónico ministro Vidal y la propia Presidenta Bachelet avalaron implícitamente esta sentencia a priori cuando esbozaron disculpas por el asunto del Fondart.
Si los propios periodistas reivindican su derecho a proteger sus fuentes (algo que ya no se discute en los países más desarrollados del mundo), ¿por qué nadie pregunta sobre el derecho de Varela a proteger a sus entrevistados? ¿Por qué ni siquiera ha dicho una sola palabra el Colegio de Periodistas sobre el asunto? ¿Qué está pasando con el llamado mundo cultural? ¿No es este, acaso, un tema que involucra o debiera preocupar a la cultura en su totalidad, sino a toda la sociedad? ¿Por qué ni uno solo de los actores de cine o "rostros" de teleseries, que tanto hablan en la prensa y a quienes el tema vaya si les concierne, ha dicho ni mu? ¿No es impresionante que en un caso de esta naturaleza la única fuente, para los periodistas de los principales medios de comunicación del país, sea en definitiva el Ministerio del Interior?
El caso de Elena Varela es paradigmático. Habla de una sociedad ensimismada, egótica, adolescente, presa del individualismo, el consumo y el sálvese quién pueda. Todos miran hacia otro lado. Hace tres años un estudio científico de la Facultad de Medicina de la Universidad de Chile –encabezado por el doctor Francisco Rothhammer- planteó que los chilenos tenemos un promedio de 84% de ascendencia originaria indígena, y que esto incluye a los estratos económicos más altos, aunque no les guste, pero en el próspero y arrogante Chile sólo se quieren recordar los presuntos orígenes vascos o franceses o alemanes y el tema mapuche sencillamente no existe. Se niega. Es invisible.
De esa invisibilidad está siendo víctima Elena Varela. Durante cuatro años recorrió la Araucanía hablando con lonkos y recogiendo testimonios mapuches y, en el contexto de un conflicto feroz del que nadie habla, acabó enfrentada a un sector productivo muy poderoso: el forestal. Y así no más le fue. Como así les fue este 17 de marzo a dos periodistas franceses, Christopher Cyril Harrison y Paul Rossj, que también tuvieron la mala idea de meter sus narices en el conflicto mapuche y filmaron un incendio. Fueron detenidos, vejados y maltratados en Collipulli. "Nos trataron como a delincuentes, nos acusaron de provocar el fuego y de pertenecer a la ETA", declaró Harrison, todavía en estado de shock. El cónsul francés logró que quedaran en libertad, pero al día siguiente un grupo de civiles –una docena de individuos armados con linchacos y cuchillos- atacó a los dos periodistas en la calle: la paliza fue tremenda. Huyeron del país.
Y hace sólo dos de semanas, el 3 de mayo, el guión se repitió con dos documentalistas italianos, Giuseppe Gabriele y Dario Ioseffi, que estaban filmando una movilización mapuche en un predio de la Forestal Mininco cuando fueron detenidos. "Nos trataron como terroristas, con la cara al suelo y las esposas apretadas. Nos acusaron de estar robando madera en el predio". Al día siguiente la intendenta de la Araucanía, Gloria Barrientos, incurrió en una barbaridad jurídica y ética: expulsó sin más a los italianos del territorio.
Los documentalistas chilenos sacaron la voz este fin de semana, alarmados por la suerte de Elena Varela y por la requisición de sus filmaciones. Ignacio Agüero, Francisco Gedda, Viviana Erpel y Martín Rodríguez convocaron a una conferencia de prensa en la que estuvieron varios de los principales cineastas del país, como Silvio Caiozzi, Andrés Wood, Pablo Perelman, Andrés Racz y Alicia Scherson, pero de los medios de comunicación apenas llegaron dos: una radio y un periódico de provincia. El contraste con la multitudinaria convocatoria de cámaras y micrófonos que tuvo la fiscalía cuando presentó el caso ante los reporteros policiales como un tema estrictamente criminal, nos sugiere que algo está oliendo terriblemente mal en el reino de Chile.
Pablo Azócar
El Clarin de Chile
Newen Mapuche
No lo cubre ni el paraguas
No lo cubre ni el paraguas.
Hubo un momento de silencio en la sala, las manos sudaban y las miradas inquietas poco a poco perdían el norte.
-más café! Gritó ella, para ponerle énfasis a la velada, sabia que era absurdo.
El carraspeó, incómodo, alzo la vos. –Está lloviendo una vez más! Su cara volteo a la ventana, pero su mirada estaba desviada.
-Querido, supongo es hora de que te marches, la lluvia moja, como no, y su chaleco de hilo desteñido ni siquiera encubría su huesudo cuerpo.
-Pero, diablos, está bien. Atormentado se paró, puso sus manos sobre su cabeza, la miró, pesco rápidamente su teléfono celular y se marcho.
Desconsolada ella, se largo a llorar tendida en el sillón, se pació por toda la casa y se lamento mordiéndose los labios por su porfía.
Él caminó bajo la lluvia que parecía desquitarse contra su persona, entre aguas se entienden, pues mezclar el llanto con la tormenta no inquietaba a nadie. No manchaba su hombría.
Escrito Por
ZapatillasCitricas
Aldo Francia
el 30 de agosto de 1923, es una fecha especial para el cine chileno, nace para muchos uno de los mas grandes directores de cine que esta tierra ha podido entregar, nace Aldo Francia Boido.
Pediatra de pofesion, un gran medico, un gran doctor. En unos de sus viajes de estudio tiene la posibilidad de apreciar "ladron de bicicleta" (1948) del director italiano, el señor Vitorio de Sica, pelicula que lo impulsa a dejar su labor medica para dedicarse a sanar almas y conciencias atravez de la cinematografia. y es aqui donde crea el mejor medicamento que los años sesenta y setenta podria aver dado a luz, "Valparaíso, mi amor (1969) y "Ya no basta con rezar" (1972). la primera neorrealismo puro... y en las calles de Valparaiso.
Pero eso no es todo....aun hay mas, paralelamente participa el la creación del Cine Club y el Festival de Cine de Viña del Mar. Pero para dejar claro que su vocacion era completa en 1967 instauró la Primera Escuela de Cine del país. que maestro........
fallesiendo en octubre de 1996.
Sin lugar a duda Aldo Francia escribió algunas de las páginas más hermosas de la historia cinematografía nacional.
Valparaiso, Mi amor
Carlos Bermudez G.
El nuevo cine Chileno
El cine chileno es un cine con cicatrices, es un cine con exilio, es un cine con transición y ahora es un nuevo cine lleno de aspiraciones y metas internacionales.
Cuesta pensar que por más de 15 años en un pequeño país los grandes creadores eran asesinados o en el mejor de los casos exiliados. Cuesta pensar que por más de 15 años en un país las expresiones artísticas eran prohibidas, cuesta pensar que por más de 15 años en un país, su cine, tenia que realizarse en el extranjero. Pero, no hay que pensar tanto porque este país existe. Está ubicado al sur del mundo, entre una blanca cadena montañosa y un Océano Pacífico que poco tiene de “pacífico”. Su nombre es CHILE. Si en la década de los 90 las narraciones cinematográficas eran de corte social, de corazones heridos, de libertad y rencor, es porque estaban muy latentes aún los efectos de una dictadura militar (1973-90) que no dejaba sonreír. El mejor ejemplo de esto, es una película llamada "La Frontera", una oda a la libertad y al rencor poético, dirigida por el director chileno Ricardo Larrain y premiada en 1992 en el importante Festival de Berlín. Pero un país cambia, madura, evoluciona, y es aquí donde se escribe una nueva historia, un nuevo guión cinematográfico, que da nacimiento al NUEVO CINE CHILENO.
Con la llegada del nuevo siglo, desde el mismo año 2000, crece un nuevo semillero de cineastas, ayudados por las escuelas de cine que han florecido en el país como el mejor de los jazmines. Estas escuelas se han dedicado a formar jóvenes democratizados... con nuevas temáticas, nueva estética y recursos narrativos. Por ello, ya no se cuentan grandes historias con personajes épicos como protagonistas, pues lo que importa son las historias sencillas, aquéllas que pueden ocurrir a cualquier persona. Son esas narraciones que uno puede escuchar en la sala de espera de una consulta medica, en la locomoción colectiva, o -porque no- en un confesionario… Estas nuevas historias se alejan de los mensajes ideológicos, no se enriquecen con ningún tipo de lucha social o una manipulación política (como ocurría en los años 70 y más cercano aun en los 90) plagada de submensajes.
Contar la historia de una pareja de desconocidos en una habitación de un motel (como en “La cama”, dirigida por Matías Bize) o un fin de semana en la casa de veraneo (como en “La sagrada familia”, dirigida por Sebastián Campos) son aquéllas películas que se han abierto un camino en la internacionalización del cine nacional, las que han permitido una suerte de resurrección del cine chileno.> Y, lo más importante de este renovado esfuerzo, es que son estas películas las que ganan importantes festivales en Europa, América Latina y en otras regiones del mundo. También hay que mencionar en esta alentadora fase al “otro” cine chileno, como el representado en “Kiltro” –la primera película de artes marciales, realizada en Chile- y en otros filmes nacionales que forman parte de un “estilo holywoodense a la chilena”, pero que se logran filmar sin grandes presupuestos. Pero, lamentablemente el nuevo cine chileno no llena salas de cine comerciales, pues estas películas no están entre las más vistas del año en el mercado nacional. Solo se dirigen a un publico selectivo, especializado, a un publico cinéfilo. Aun en Chile se quieren ver automóviles volando, seres mitológicos, finales felices.
¿Cómo se puede luchar contra este mercado de fantasía?, es la interrogante que vuela de boca en boca entre los cinéfilos y entre los jóvenes cineastas de esta era democrática.
La respuesta es sencilla: es de necesidad urgente ampliar la presencia chilena en los festivales internacionales y conseguir co-producciones para abrir más las puertas hacia el exterior y volver con gloria a un país que parece esperar siempre el éxito en el extranjero antes de hacer justicia en casa a los creadores nacionales. Así se ampliarán las posibilidades comerciales y los jóvenes directores no se verán obligados a contar historias financiadas con “lo que tengo en el bolsillo del pantalón”, con un “presupuesto cero”. Ya no se “aspirará” más a esta idea soñadora de hacer cine sin dinero.
“Cuanto presupuesto tengo es como lo hago”, afirman estos empeñosos cineastas chilenos que no dejan de soñar aún con festivales y con guiones apoados con presupuestos adecuados. Esto enriquece todo, esencialmente la creatividad, pues los jóvenes cinastas tienen muchos guiones pensados que no pueden llevar al papel ni menos poner frente a las cámaras debido a la ausencia de financiamiento. Ahora, impulsados con las ambiciones de este “nuevo cine”, las nuevas generaciones de cineastas chilenos están con lápiz y papel en mano, escribiendo nuevos guiones y sintiéndote desde ya como los menores narradores del mundo. Soñando en un próximo estreno en las salas de cine de Chile y del mundo.
Lo mejor de esta nueva tendencia, de este nuevo viñedo cinematográfico, es que tiene distintas cepas, pero lo mejor y lo más importante, que es de exportación.
Carlos Bermúdez G.
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Clips "El nuevo cine Chileno
SE ARRIENDA - MACHUCA - EN LA CAMA
El amor en los tiempos del Colera
CUANDO EL AMOR TIENE LOS MISMOS SÍNTOMAS DEL CÓLERA 
La versión cinematográfica de la magna obra de Gabriel García Márquez “El amor en los tiempos del cólera” tuvo ecos dispares en su estreno mundial en Europa y América Latina, ejerciendo un especial atractivo en Chile, donde fue recibida con críticas agridulces. La fuerza del amor puede ser agridulce, áspera o mortal…con síntomas que pueden compararse a la lúgubre llama del cólera que mata sin piedad.
La fuerza poética de la pluma del gran escritor colombiano no logra ser bien interpretada en su justo nivel en una adaptación cinematográfica “a la americana”, en el marco de la cual difícilmente se puede gozar a placer de la magia del surrealismo literario del Nóbel García Márquez, pese a la gran calidad de los actores elegidos. Por ello, cuando me dejo atrapar por la colosal oscuridad del cine y me ubico en la butaca para dejarme conquistar por las imágenes que se proyectan… me doy cuenta que solo tengo tres opciones:
- La primera, comentar ágriamente la version cinematográfica de esta afamada obra literaria de García Márquez… pero me quedo sin palabras.
- La segunda, comparar la novela con esta película… y prefiero dar un paso al costado.
- La tercera, simplemente… escribir una carta de amor en homenaje al amor, una opción que no dudo en adoptar.
Querida Fermina Daza, Diosa Coronada. Si tuviese que regalarte una película para entrar en lo más profundo de tu corazón, seria la adaptación de una gran novela colombiana. Si tuviese que regalarte una película para sentirnos interpretados, estaría protagonizada por Javier Bardem y Giovanna Mezzogiorno. Si tuviese que regalarte una película para declararte mi amor, esta seria dirigida por Mike Newell… seria… "El amor en los tiempos del cólera". Cuando 623 mujeres no son capaces de borrar del corazón a una mujer… es porque ella es una enfermedad. Es aquella epidemia que a todos nos gustaría contagiar, aquella epidemia que ningún doctor Urbina es capaz de curar. Si todas las enfermedades tuviesen estos síntomas la vida siempre tendría sentido, una razón de vivir. Cuando el cólera no es capaz de acabar con nuestra existencia, será porque la DIOSA CORONADA es nuestra protección, es nuestro anticuerpo que nos mantiene inmune. Ya no queremos más científicos, laboratorios médicos, farmacias… porque se ha descubierto una nueva medicina, pero no habrá que desesperar, pues llegará a nuestras manos en cualquier momento y en cualquier lugar, solo tenemos que estar atentos… su nombre: FERMINA.
Sacando cuentas…51 años, 9 meses, 4 días, es la cantidad de tiempo que puede esperar un hombre, a la mujer que ama. Es el tiempo que puede llegar a durar una agonía y una esperanza. Soñar con tenerla cerca nos puede hacer recorrer caminos nunca pensados, como a nuestro amigo Florentino que de un simple telegrafista pasó a ser dueño de una naviera .¡Quién lo diría…! Un joven enamorado convertido en un eterno romántico. Seria hermoso saber que más hombres en el mundo lo dan todo por el amor, seria hermoso dejar de simular, seria hermoso escribir en todas las bancas del mundo Fermina Daza.¡Para nunca olvidar el amor! Quizás cuantas cartas mas te escriba FLORENTINO, quizás sea la última… pero lo único que vamos a agradecer el día su muerte, es que murió por amor.
¡¡ El amor mata como el cólera !!
Carlos Bermúdez G.
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Ciudad de Dios
Vivir con tu talento o matar por tu talento
Cuando pecar es el primer mandamiento…
Cuando la muerte, es un juego de niños…
Cuando los rezos no son escuchados…
Es porque vives en CIUDAD DE DIOS.
“Ciudad de Dios…” es la ciudad universal, es la ciudad donde no te queda otra opción más que sobrevivir, es la ciudad donde Cohete y Ze Pequenho crean su propio evangelio: Vivir con tu talento o matar por tu talento.
Pocas películas, como esta gran obra brasileña con tantos mensajes y guiños sociales, nos muestran el Edén tal cual es, con las dos formas de vidas impuestas por el SEÑOR, ser el bueno o ser el malo…
Si en los años 60 el Paraíso estaba compuesto por esperanza, en la actualidad está lleno de frustraciones: perseguir una gallina para alimentarse es lo mismo que perseguir los sueños para vivir, hay quienes prefieren apretar el gatillo de una pistola y otros el disparador de una cámara fotográfica.
Caminar por las calles con la frente en alto, tener a la mujer que quieres, sentirte Dios sólo porque tienes un revólver en la mano, está bien, cuando, donde vives es tú ciudad, y por sobre todo cuando eres Dios.
Acá los niños no juegan. Se destruyen. Entre más pequeño entres al mundo real más hombre serás. Será divino vivir en la marginalidad, será sagrado matar a un niño, serás bendecido por vender droga.
Ya no subiremos a ningún monte para comunicarnos con el padre celestial. Ahora, vamos a tener que subir a esta favela.
Sólo hay una cosa clara, Ciudad de Dios tendría que estar en la Biblia Cinematográfica. Tendría que ser de aquéllos pasajes nunca olvidados. Tendría que ser el Apocalipsis… que San Pablo, que San Mateo…desde hoy… son San Cohete, San Ze Pequenho. Son aquéllos apóstoles que nadie quiere mencionar, pero son los más verdaderos.
Si San Ze Pequenho nos ofrece un poco de droga, porque no aceptarla. Sería nuestra agua bendita…¡Mmmmm… que manjar para nuestro cerebro…nuestra droga santa!
Si San Cohete nos ofrece posar para una fotografía no pienses en decir que no, porque perdurarás en una santa escritura visual.
¡Ahora estamos en el mismo mundo espiritual..!
Desde hoy nuestra iglesia es una pantalla y un reproductor.
La magia del cine nos lleva al Cielo…a la Ciudad de Dios.
La “Ciudad de Dios” puede estar en Chile, Brasil, Argentina, Colombia, México o Venezuela. En cualquier país de América Latina, Asia, Africa o Europa.
¡Dios está en todas partes!
Carlos Bermúdez G.
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Trailer Ciudad de dios
Requiem for a dream
¿Con que Moral?
cinematografía moral. Este es el caso de la película “ Réquiem for a dream”,
una suerte de Apocalipsis trágico para la vida de cuatro almas divagantes que solo buscan alcanzar sus sueños.
Lo erróneo esta en la forma y en los recursos que esta ocupa, mezclando el
paso
por las drogas y la fatídica soledad. ¿ será tan así ?, Creo que solo se
ocupa como recurso narrativo, ya que, lo cotidiano dice lo contrario, cuanta
gente ama la soledad y no termina destruido en el ocaso, o cuanta gente
busca la soledad por un goce espiritual. Muchos de nosotros solo buscamos la tranquilidad de nuestro entorno, aunque sea por poco tiempo pero se busca.
Muchos estudios ocupan la soledad como entrada al “terrible mundo de las
drogas” siendo que a este umbral pude ingresar quien quiera, sin necesidad de una cedula de identidad, ser mayor de dieciocho años, ser negro o blanco, ser pobre o adinerado, o mas aun, tener “problemas familiares”, como nos dice una sociedad cínica y plagada de travestismo moral ( de día somos correctos y de noche turbios), que no se cansa de culpar a otros por nuestros “pecados”. Solo queremos dar clases, consejos y porque no enseñanzas de vida, como si la nuestra fuese ideal y alejadas de estos problemas.
Todos conocemos personas que consumen drogas ( el vecino, un pariente lejano el amigo de un amigo) y nosotros ¿NO?, ¿SEGUROS?. Todos consumimos drogas de una u otra forma, con distinta habitualidad pero lo hacemos y no nos damos cuenta o no nos queremos dar cuenta. Todos alguna vez hemos consumido alcohol o hemos aspirado el humo de un cigarrillo, o mas aun hemos tomado una pero solo una aspirina... si, no me lo diga ¡la aspirina no es droga¡, “SE EQUIVOCO”... Si lo es, con el solo hecho de que produzca cambios en su organismo basta y sobra.
Esto cambia todo, ahora hablamos el mismo idioma, el de la causalidad, todos nos quemamos con el fuego, todos nos autodestruimos, nos hacemos daño. Con cualquier elemento o de cualquier forma.
Así que dejemos nuestra moralidad para los textos escolares, la misa del domingo, los diarios, el conace y NUESTRAS PELICULAS FAVORITAS.
C.B.G.
Video Requiem for a dream
Blade Runner
naturaleza. Además hay una preeminencia de las organizaciones formales frente a las tradicionales.
La escenografia futurista de Blade Runner simula a Los Ángeles en el año 2019. Se presenta una mole urbana en la que no se observan rasgos ecológicos algunos. Es una ciudad con una "suciedad estructural", se hace clara la existencia de un éxodo a colonias en otras partes de la galaxia. Una huida probablemente motivada por la destrucción, la sobrepoblación, la suciedad. Una ciudad llena de mezcolanza racial donde se habla un idioma, Por otro lado, se presenta una ciudad vaciada donde habitan seres extraños o deformes, seres pertenecientes a nuestro inconciente.
En Blade Runner, las nuevas tecnologías (ingeniería genética) describen el paso que ha habido de una sociedad apoyada en un flujo de innovaciones técnicas materiales (sociedad industrial) a otra (sociedad de servicios) que reposa sobre el flujo de innovaciones técnicas abstractas (autonomía relativa o "vida propia").
La sociedad en Blade Runner vive en un mundo tecnocultural; un mundo dominado, por la "barbarie del especialismo" y el "terrorismo de laboratorios". Tras la exposición de una firme duda en el optimismo científico, Blade Runner va más allá al negar la creencia en la posibilidad y conveniencia de tecnificar todo problema vital mediante su solución experta o mecánica.
Técnicamente, la memoria tiene una función en los replicantes. En palabras del propio Tyrell:"Más humanos que los humanos". Rachael es un experimento, nada más. Empezamos a percibir en ellos extrañas obsesiones. Después de todo son inexpertos emocionalmente. Con unos años para almacenar las experiencias que usted y yo damos por supuesto. Si les obsequiamos con un pasado creamos un apoyo para sus emociones y, consecuentemente, podemos controlarlos mejor.La consideración de la memoria en los replicantes es para la tecnología un factor más de funcionamiento del sistema que han posibilitado crear.
La memoria sirve para dar un sentido al tiempo y proporcionar un espacio al que aferrarse ante los eventos de la vida. Los recuerdos de Rachael proporcionan el sentido de lo prohibido, de los vínculos familiares, del despertar a la sexualidad y del surgimiento y crueldad de la vida. Son los valores propios del aprendizaje en la infancia. Valores que confieren a los humanos cierta inteligencia emocional y capacidad para establecer juicios éticos. Prueba de ello es el hecho de que Rachael llore al recordar y al comprender que es una replicante. Incluso Deckard tiene su piano cubierto de fotos en la necesidad de recordar que tiene un pasado y, de esta forma, mantener la ilusión de que la vida tiene un sentido.
No obstante, como se refleja en la película, en cuanto los replicantes son conscientes de su condición la memoria deja de cumplir su función, pues su uso tecnológico no significa un entendimiento de su esencia. Por otra parte, algunos replicantes (Rachael no, por ejemplo) son unos humanoides creados con un desorden genético congénito que condiciona su existencia al plazo de cuatro años. Por ello, en su afán por vivir más, quieren que su genoma sea recodificado; cosa que es imposible. Ahora bien, los seres humanos han de prolongar su existencia de alguna forma.
C.B.G
Trailer Blade Runner
